Centre de Recherche en Ethnomusicologie

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Toward an Anthropology of Ambient Sound

guillebaud routledge
guillebaud routledge

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Toward an Anthropology of Ambient Sound

édité par Christine Guillebaud

Routledge, Londres, 2017, 240 p. [Routledge studies in Anthropology]

 

This volume approaches the issue of ambient sound through the ethnographic exploration of different cultural contexts including Italy, India, Egypt, France, Ethiopia, Scotland, Spain, Portugal, and Japan. It examines social, religious, and aesthetic conceptions of sound environments, what types of action or agency are attributed to them, and what bodies of knowledge exist concerning them. Contributors shed new light on these sensory environments by focusing not only on their form and internal dynamics, but also on their wider social and cultural environment. The multimedia documents of this volume may be consulted at the address: http://milson.fr/routledge_media

 

Table of contents


Introduction Multiple Listenings. Anthropology of Sound Worlds Christine Guillebaud

 

Part 1: Listening into Others 1. Noising the City: Revealing Neapolitan « Soundciabilities » in Pyrotechnical Practices Olivier Féraud 2. Sounds of Hell and Sounds of Eden: Sonic Worlds in Ethiopia in the Catholic Missionary Context, 17th-18th Centuries Anne Damon-Guillot 3. An « Obscene » Calling: Emotionality in/of Marginalized Spaces. A Listening of/into ‘Abusive’ Women in Govindpuri (Delhi) Tripta Chandola

 

Part 2: Sound Displays and Social Effects 4. Standing out from the Crowd. Vocal and Sound Techniques for Catching People’s Attention in an Indian Bus Stand Christine Guillebaud 5. Melodic Refrains in Japanese Train Stations: The Management of Passenger Behavior through the use of Electric Bells Pierre Manea

 

Part 3: Sound Identity and Locality 6. Acoustic Communities Represented: Sound Preferences in the Scottish Village of Dollar Heikki Uimonen 7. Mics in the Ears: How to Ask People in Cairo to Talk about their Sound Universes Vincent Battesti 8. Mapping out the Sounds of Urban Transformation: The Renewal of Lisbon’s Mouraria Quarter Iñigo Sánchez 9. Listening to the city. The Sonorities of Urban Growth in Barcelona Claire Guiu

 

Part 4: Sound Arts and Anthropology 10. Not just Tones, Noises Too! On Sound Poetry Jean-Charles Depaule 11. Tribute to a Footbridge: Contact Dance and Sound Spaces Improvisations in Choisy-Le-Roi Vincent Rioux

 

Afterword The Sonic Attunement of Social Life Jean-Paul Thibaud

 

The multimedia documents of this volume may be consulted at the address: http://milson.fr/routledge_media

Geerewol - Musique, danse et lien social chez les Peuls nomades wodaabe du Niger

Couv Geerewol Loncke
Couv Geerewol Loncke

Couv Geerewol Loncke

Par Sandrine Loncke

Société d'ethnologie (Collection Hommes et Musiques), Septembre 2015. 416 p. 26€. Avec DVD-ROM encarté, incluant le film documentaire La danse des Wodaabe (Loncke 2010, 90').

 

Pour plus d'informations sur le livre et ses suppléments multimédias

 

Quatrième de couverture — Au cœur du Sahel nigérien, loin de toute voie d’accès, des milliers de Peuls nomades wodaabe se réunissent chaque année pour un vaste rassemblement cérémoniel, dont le rituel central est appelé geerewol. Sept jours et sept nuits durant, suivant le cycle du soleil et sous l’étroit contrôle des anciens, deux fractions de lignages différents se livrent une guerre dont les seules armes sont le chant et la danse. L’enjeu de cette guerre, son but officiel : le vol des femmes. Son ultime finalité : se séparer dans la paix.

Privilégiant une écriture qui restitue à la fois les dialogues et le cheminement de l’enquête à la manière d’une intrigue policière, ce livre est le récit vivant de la façon dont s’élabore une recherche de terrain en ethnomusicologie. Centrée sur le chant et la danse, l’enquête nous conduit peu à peu au cœur des représentations culturelles et des conceptions esthétiques de cette société ouest-africaine d’éleveurs nomades. Chemin faisant, on y découvre un système d’initiation et de représentation du monde qui fut sans doute caractéristique de l’ensemble du monde peul avant son islamisation.
Au-delà d’une simple monographie sur les cérémonies inter-lignagères des Peuls Wodaabe, cette étude soulève également des interrogations anthropologiques fondamentales : quelles dynamiques gouvernent au sein des sociétés humaines l’émergence d’identités et de différences stylistiques ? Comment la musique et la danse sont-elles l’expression esthétique de différentes manières d’être ensemble ? Pourquoi le rituel et la performance artistique collective sont-ils des espaces privilégiés pour faire société ? 
Le livre est accompagné d’un dvd-rom comprenant un important corpus de documents sonores et audiovisuels, ainsi que le film documentaire plusieurs fois primé La danse des Wodaabe.

 

Abstract  In the heart of the Nigerien Sahel, far away from any road access, thousands of Fulbe Wodaabe nomads gather every year for a vast ceremony which revolves around a main ritual named Geerewol. For seven full days and nights, following the solar cycle and under the strict control of their elders, two sub-lineages are opposed in a war with singing and dancing as sole weapons. Stealing women is at stake — the official challenge, but parting in peace is the ultimate purpose. 
Through engaging dialogues and the account of the inquiry process just as a detective story would do, this book is a vivid account of the way fieldwork research is conducted in ethnomusicology. By focusing on singing and dancing, the investigation gradually leads the reader to the heart of cultural representations and aesthetic perceptions of this West African nomadic herders’ society. Along the way, an initiation process and a belief system that may have been proper to the whole Fulani world in preIslamic times are progressively disclosed. 
Beyond a simple monography about Fulbe Wodaabe interlineage ceremonies, this study also explores several fundamental anthropological issues — for instance, which dynamics underlie the creation of both stylistic identities and variations among human societies? How do music and dance express and experience different sensitive ways of being together? Why ritual and artistic performance is an ideal space “to make society” ?
The book is accompanied by a dvd-rom which contains fifty annotated music recordings, nine short videos featuring dance and ritual sequences, and the award-winning documentary feature film by the same author 
La danse des Wodaabe (2010).

 

 

Performing Nostalgia - Migration Culture and Creativity in South Albania

Performing Nostalgia Cover jpegPar Eckehard Pistrick.

Ashgate, SOAS Musicology Series, Farnham, Septembre 2015

Quatrième de couverture :

Migration studies is an area of increasing significance in musicology as in other disciplines. How do migrants express and imagine themselves through musical practice? How does music help them to construct social imaginaries and to cope with longings and belongings? In this study of migration music in postsocialist Albania, Eckehard Pistrick identifies links between sound, space, emotionality and mobility in performance, provides new insights into the controversial relationship between sound and migration, and sheds light on the cultural effects of migration processes. Central to Pistrick’s approach is the essential role of emotionality for musical creativity which is highlighted throughout the volume: pain and longing are discussed not as a traumatising end point, but as a driving force for human action and as a source for cultural creativity.

In addition, the study provides a fascinating overview about the current state of a rarely documented vocal tradition in Europe that is a part of the mosaic of Mediterranean singing traditions. It refers to the challenges imposed onto this practice by heritage politics, the dynamics of retraditionalisation and musical globalisation. In this sense the book constitutes an important study to the dynamics of postsocialism as seen from a musicological perspective.

 

Sommaire :

Introduction: sound, space and mobility

Vocal multipart practice in Albania

Reading the absences - approaching the field

Migration and mobility in Albania

Migration, emotions and creativity

Migration in performance - village feasts and nostalgia

ʽThe deep woundʼ - memorialising migration

Two absences - migration up to death

Conclusion: sound, space and mobility - lessons from the Albanian case

Bibliography; Index.

Plus d’informations sur le site de l'éditeur

Congrès de musique arabe du Caire - The Cairo Congress of arab music. Mu'tamar al-mûsîqâ al-'arabiyya fî al-Qâhira, 1932

Congrès de musique arabe du Caire
Congrès de musique arabe du Caire

Congrès de musique arabe du Caire
Sous la direction de Jean Lambert et de Pascal Cordereix

Texte original de Bernard Moussali

Restauration sonore par Luc Verrier

 

Coffret 18 CD avec livret trilingue français, anglais et arabe

 

Après un important travail de restauration du son effectué dans ses studios, la BnF, en collaboration avec l’émirat d’Abou Dhabi, et sous la direction scientifique de Jean Lambert (Centre de recherche en ethnomusicologie), publie l’intégralité des enregistrements du Congrès du Caire de 1932, authentique document d’archives sonores de plus de dix-huit heures de musique, soit 18 disques compacts accompagnés d’un livret descriptif de 256 pages.
Le Congrès de musique arabe qui s’est tenu au Caire en mars-avril 1932 a fait date dans l’histoire de la musique au XXe siècle. Première manifestation scientifique d’envergure consacrée à des musiques non occidentales, il a permis la rencontre entre musicologues occidentaux et orientaux. Il est le premier congrès de musicologie à consacrer une part importante de ses travaux à l’enregistrement sonore d’interprétations de référence. C’est dans ce cadre que la filiale égyptienne de la firme His Master’s Voice de la Gramophone anglaise enregistre 334 faces de disques 78 tours, enregistrements non destinés à l'époque à une diffusion commerciale. Le Congrès du Caire de 1932 est un mythe pour tous les chercheurs et les amateurs de la musique arabe en particulier et de la musique en général. Rares étaient ceux qui avaient, jusqu’à cette édition, accès à ces enregistrements. Quatre-vingt-deux ans plus tard, l’art et le savoir de grands musiciens du monde arabe deviennent accessibles.

Indonésie - Chants d'apaisement

Couverture du disque
Couverture du disque

Couverture du disque

Enregistrements  (1991-2010): Dana Rappoport, Joséphine Simonnot, Serge Serafini

Notes : Dana Rappoport

1 CD Ocora Radio France  C 560259

60’14, 20 pistes, livret 24 pages (français/anglais), 5 photos, carte, paroles des chants.

Ces enregistrements provenant de cinq îles de l'archipel indonésien (Kalimantan, Sulawesi, Selayar, Sumbawa et Flores) présentent une sélection de musiques réunies autour de l'idée d'apaisement : chants pour les malades et les personnes en transe ; chants nostalgiques accompagnés au luth; chants pour divertir les enfants et berceuses. Sentiment d'intimité et de sérénité où l'apaisement procuré par ces voix,
souvent a capella, agit à la fois sur le destinataire et le musicien.

Disponible sur http://eboutique.harmoniamundi.com/chants-d-apaisement.html

Qanbûs, tarab. Le luth monoxyle et la musique du Yémen

Qanbus Tarab couverture
Qanbus Tarab couverture

Qanbus Tarab couverture
Sous la dir. de Jean Lambert et Samir Mokrani, 2013 Sanaa, Centre Français d’Archéologie et de Sciences Sociales, Paris, Geuthner.

Contributions de : Pierre d’Hérouville, Nizār Ghānim, Werner Graebner, Larry F. Hilarian, Muḥammad al-Jumā‘ī, Christian Rault.

Le luth monoxyle qanbûs ou tarab a joué un rôle central dans la musique du Yémen jusqu’au milieu du XXe siècle. Actuellement en voie de disparition, il présente plusieurs énigmes sur le plan historique, organologique et anthropologique. Selon des hypothèses historiques plausibles basées sur l’iconographie et la philologie, sa genèse remonterait à une forme de luth monoxyle (fabriqué dans une seule pièce de bois). apparue pour la première fois en Asie centrale avant le début de l’ère chrétienne. Cette forme se serait ensuite diffusée dans le monde arabe à travers la Perse sassanide, puis jusqu’au Yémen entre le XIIIe et le XVIe siècle, et de là, dans l’océan Indien, dans le monde malais et le monde swahili, avec l’émigration yéménite. C’est à Sanaa que l’instrument est le mieux documenté, grâce aux témoignages d’histoire orale. Le livre porte une attention particulière à sa description morphologique, ainsi qu’à son analyse organologique et de lutherie comparée. En effet, cet instrument n’est pas seulement monoxyle, mais il est aussi mono-cave (le manche et la caisse ne formant qu’une seule cavité). Enfin, imprégné de la culture des lettrés et des artisans de Sanaa, ce luth fait l’objet de représentations anthropomorphiques qui suscitent de nombreuses questions anthropologiques et d’histoire des mentalités. Mais c’est certainement grâce à sa petite taille et à sa caisse monoxyle que cet instrument a résisté au puritanisme et a traversé les océans.

http://www.geuthner.com/livre/qanbus-tarab/1024

Paysages sensoriels : essai d’anthropologie de la construction et de la perception de l’environnement sonore

Couverture du volume
Couverture du volume

Couverture du volume
Ouvrage collectif sous la direction de Joël Candau et de Marie-Barbara Le Gonidec, 2013, éditions du CTHS, collection Orientations et méthodes, n° 26.

Depuis longtemps, la géographie et l’architecture analysent la notion de paysage sonore. L’anthropologie qui avait négligé cette dimension du sensible propose aujourd’hui à travers cet ouvrage de définir à son tour cette notion tout en proposant des outils conceptuels pour pouvoir réaliser une «ethnologie du sonore».

Il s’agit dans cet ouvrage de rendre intelligibles les mécanismes sociaux et cognitifs de constitution de tout paysage sensoriel. Comment certains sons se démarquent d’un environnement sonore ordinaire pour mieux distinguer des appartenances sociales ou souligner un rituel.

Consacrer une publication à ces paysages sensoriels si singuliers que sont les environnements sonores, n’est-ce pas tenter vainement d’enfermer dans des frontières le plus évanescent des éléments du sensible ?

Bien au contraire, les contributions pluridisciplinaires (ethnomusicologie, architecture, urbanisme, anthropologie, géographie) sont placées sous le signe de l’ouverture : celle des milieux acoustiques - les sons se mélangent, dans les rues du Caire comme à Naples, dans les bandas maltaises comme dans le pastoralisme ovin transhumant du sud de la France - et celle des théories et des méthodes qui, en anthropologie, s’attachent à cet objet trop longtemps négligé qu’est le son.

Parikwene agigninman, une présentation de la musique parikwene (palikur)

Parikwene
Parikwene

Parikwene
par Pival (Victor Michel), Berchel Labonté, Ady Norino, Jean-Michel Beaudet aux éditions Ibis rouge (Matoury, Guyane). (bilingue Portugais, français)

Cet ouvrage se veut support de transmission ; nous souhaitons y montrer la richesse des musiques vocales et instrumentales parikwene (palikur), et contribuer plus généralement à une meilleure connaissance de cette culture. Lors de la préparation de ce livre, les séances de travail, collectives, ont permis d’identifier les répertoires et de les décrire, de commenter les modalités de leur transmission, d’engager un travail d’écriture à plusieurs mains. Chants des femmes, orchestres de clarinettes aramtem, solo de flûte ou berceuse, le CD qui accompagne l’ouvrage est le premier consacré exclusivement à l’art poético-musical parikwene.


Pival, musicien, grand connaisseur de sa culture, et en particulier des danses pour clarinettes aramtem.
Berchel Labonté, responsable culturel, président de l’association culturelle Takaa.
Ady Norino, responsable culturel, chargé des archives parikwene.
Jean-Michel Beaudet, chercheur – enseignant, anthropologue de la musique et de la danse.

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Paroles mélodisées. Récits épiques et lamentations chez les Yézidis d'Arménie

Amy de la Breteque - Paroles Mélodisées - couverture
Amy de la Breteque - Paroles Mélodisées - couverture

Amy de la Breteque - Paroles Mélodisées - couverture
par Estelle Amy de la Bretèque

Classiques Garnier, collection "Littérature, histoire, politique" (C.Coquio, L.Campos, E.Bouju dirs), 2013. 230p. 17€. ISBN : 978-2-8124-0787-1

Amy de la Bretèque - Paroles Melodisées - Photo première page
Amy de la Bretèque - Paroles Melodisées - Photo première page

Amy de la Bretèque - Paroles Melodisées - Photo première page
Cet ouvrage porte sur un mode ­d’énonciation dans lequel ­l’intonation normale de la parole se voit ­remplacée par des ­contours mélodiques. Chez les kurdo­phones ­d’Arménie –  en particulier les Yézidis – la parole ainsi mélodisée est toujours liée à l’évocation de la nostalgie, de ­l’exil, du sacrifice de soi et de ­l’héroïsme. Elle apparaît dans certains ­contextes rituels, dans les chants épiques, ou ­simplement au détour ­d’une phrase dans les ­conversations quotidiennes. ­S’appuyant sur des documents de terrain inédits ­consultables en ligne sur le site de la société française ­d’ethnomusicologie, ­l’auteur montre que la parole mélodisée joue pour les Yézidis un rôle central dans la construction d’un idéal de vie reliant les vivants aux absents et aux défunts.

Les documents sonores auxquels se réfère cet ouvrage sont disponibles sur le site de la SFE  cliquez ici pour y accéder.

Pour télécharger la table des matières cliquez ici. Plus d'informations sur le site de l'éditeur.

Tsiganes, musique et empathie

Tsiganes musique et empathie couverture
Tsiganes musique et empathie couverture

Tsiganes musique et empathie couverture
par Filippo Bonini Baraldi

Maison des sciences de l'homme, collection Chemins de l'Ethnologie, 2013. 360p + DVD-ROM

Pourquoi les Tsiganes pleurent-ils en jouant de la musique ? Que se passet-il pendant les funérailles, quand la musique se superpose aux lamentations des femmes ? Par quelles stratégies les musiciens touchent-ils leur public ? C’est à ces questions que tente de répondre Filippo Bonini Baraldi, qui a partagé pendant plusieurs années la vie musicale d’une communauté tsigane de Transylvanie (Roumanie).

L’auteur montre comment musique et pleurs vont de pair et révèlent des tensions entre union et séparation, vie et mort, soi et les autres, en mobilisant des facultés fondamentales : la sympathie, la contagion émotionnelle, l’empathie. Facultés que les Tsiganes exaltent, exacerbent et perçoivent comme identitaires. À partir d’une ethnographie ancrée dans la dimension sensible de la pratique musicale, cet ouvrage propose une réflexion théorique et interdisciplinaire sur les liens entre musique, émotion et empathie.

Le DVD-ROM joint à l’ouvrage contient le film documentaire Plan-séquence d’une mort criée (prix « Bartók » au 24e Bilan du film ethnographique « Jean Rouch »), 4 heures de documents audiovisuels et de nombreuses animations interactives qui permettent de suivre le chemin analytique de l’auteur.

Site de l'Editeur :  http://www.editions-msh.fr/livre/?GCOI=27351100650190

La voix du chamane. Étude sur les Baxshi tadjiks et ouzbeks

Couverture du livreJean During et Sultonali Khudoberdiev

Collection Centre-Asie, Edition IFEAC - L'Harmattan. 2007

Les études et les documents sur les pratiques des chamanes (baxshi) d'Asie centrale, quoique peu abondants, permettent de se faire une idée globale de leur tradition. Ils laissent cependant dans l'ombre de nombreuses questions : le contenu de l'expérience chamanique, ce que vivent les acteurs dans un rituel, comment l'on en arrive à s'en remettre à ces thérapies, comment agit le traitement et quels en sont les effets à long terme.
Cette étude répond en partie à ce questionnement, en approchant le sujet de façon phénomologique, en éclairant le rituel des baxshi de l'intérieur, en faisant parler les participants, en décryptant les hymnes chamaniques avec toutes les ressources de la philologie et de l'exégèse, en le mettant en perspective avec un ensemble de pratiques de guérison qui ne convoquent pas nécessairement les esprits. Enfin, en confrontant l'art des chamanes musulmans à l'exorcisme coranique, elle fait apparaître l'antique conflit entre la parole du Dieu et la voix des esprits.

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Le chant des serpents Musiciens itinérants du Kerala

9782271065100
9782271065100

9782271065100
Par Christine Guillebaud, CNRS Editions.

Collection Monde indien. Sciences sociales 15e-21e siècle. 384 p. + 1 DVD-rom encarté. 2008. ISBN : 978-2-271-06510-0.

Officiants de rituels domestiques, chanteurs au porte-à-porte, contractuels à la radio d’Etat, intervenants dans les colloques de musicologie indienne… Les musiciens itinérants du Kerala (Inde du Sud) pratiquent leur art selon des codes mouvants, riches, inventifs, sans cesse redéfinis en fonction des commanditaires, des lieux et des circonstances. Les « services musicaux » qu’ils offrent aux familles de haut statut visent à traiter les maux et les infortunes. Du fait même de leur mobilité, ils sont au cœur des réseaux de patronage qui caractérisent la société indienne.

Christine Guillebaud a suivi ces artistes « nomades » dont l’expression musicale emprunte aux formes populaires et sacrées, mêlant instruments, images, concepts, danses, voix, divinités. Une enquête passionnante qui permet de comprendre in situ le processus de création du « chant des serpents ».

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Pan Jumbie. Mémoire sociale et musicale dans les steelbands (Trinidad et Tobago)

Pan Jumbie (couverture)par Aurélie Helmlinger

Société d'ethnologie, collection Hommes et Musiques (SFE) Livre + DVD-Rom. 224 p. ISBN-10 2365190006 / ISBN-13 9782365190008.

Pan Jumbie est issu d'un travail de recherche récompensé par le prix de thèse du Musée du Quai Branly.

Le pan jumbie, c'est tout autant un passionné de pan que l’esprit de cet idiophone mélodique issu de la récupération de bidons de pétrole. Emblématique des steelbands, orchestres de métallophones atteignant une centaine de musiciens à la saison du carnaval, le pan a été proclamé « instrument national » de Trinidad et Tobago, son pays d’origine. La métaphore de possession par une figure inquiétante de l’imaginaire — le jumbie — permet d’aborder la place ambiguë de ces orchestres dans la société, dans ses dimensions historique, politique et musicale. Expression d’une douloureuse mémoire sociale, celle de l’esclavage, elle conduit l’auteur à analyser l’excellente mémoire musicale observée dans ces groupes, malgré les nombreuses contraintes d’apprentissage.

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Nous danserons jusqu'à l'aube - Essai d'ethnologie mouvementée en Amazonie

Nous danserons jusqu'à l'aube (couverture)
Nous danserons jusqu'à l'aube (couverture)

Nous danserons jusqu'à l'aube (couverture)
Jean-Michel Beaudet et Jacky Pawe

Editions du CTHS, collection Le regard de l’ethnologue n° 23

208 p., 16 x 24 cm, ill., br.
ISBN : 978-2-7355-0714-6
2010 - prix 28 €

Dans la grande Amazonie comme dans toutes les basses terres d’Amérique du Sud, les répertoires anciens se dansent pied à plat en regardant devant soi ou vers le sol. On danse en groupe et les danseurs, les danseuses, le plus souvent, se tiennent entre eux, le lien prenant des formes qui varient d’une culture et d’une danse à l’autre. Chez la plupart des peuples, les danseurs développent des parcours chorégraphiques complexes générateurs de sens et de transformations cosmologiques.

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Musiques d'Iran. La tradition en question

During iran tradition
During iran tradition

During iran tradition
Par Jean Düring

Paris: Geuthner, 2010.

Durant des siècles, la musique s’est située dans la culture iranienne au même niveau que la poésie, la miniature, les arts décoratifs qui, à l’instar de la langue elle-même, rayonnaient du Bosphore à l’Inde et à l’Asie centrale. À l’époque moderne qui s’annonce il y a plus de deux siècles, elle semble se reterritorialiser sur son espace ancestral pour y puiser une nouvelle inspiration, avant d’émerger à nouveau sur la scène impériale en présentant des formes à la fois nouvelles et immémoriales.

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